这幅画如何？_百度知道
这幅画如何？
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历史长卷。生动再现。纤毫毕现。宏伟壮观。形象逼真。活灵活现。出神入化。栩栩如生。生龙活虎。跃然纸上。惟妙惟肖。妙笔生花 。江山如画。市井百态。尽收眼底。入木三分。传世之作活脱脱。美如画。炉火纯青
采纳率：50%
需要一些细节来提升画作
超美，如果我画画有你一半好就好了
一些人物细节还需要画出来
头好大(✪▽✪)
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一幅山水画是如何诞生的？
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（原标题：一幅山水画的诞生，原来如此）
下笔前先用清水蘸笔，挤掉多余水分，再蘸墨，保持笔根部分永远有水分。蘸墨多少视情况而定，使笔尖、笔肚、笔根部位形成焦、浓、重、淡、清的梯度变化，这是他的基本用笔方法。先用重墨画近景。近景面积不宜太大，但这是整幅画中墨色最重的部分。起笔用卧锋平擦，根据“腹稿”中山石的结构，用笔要有重与轻、疾与徐、提与按、宽与窄、横与竖的变化，为表现山石的肌理变化，需要横擦、竖擦、斜擦等多种变化。这是画山石的基本功。在“平擦”完第一笔之后，即可形成山石的一个“面”，用侧锋笔尖轻轻一扫，即可形成这块石头的“轮廓线”，也就是结构线，不必刻意地去用中锋勾勒。这样会显得非常真实，不做作。再画另一个“面”时，就应该考虑变换“擦”的方向，使两次擦笔的方向形成一个合适的角度：第一笔竖擦，这一笔就根据需要横擦。再在上方斜擦，就会形成石头的三个面。一次一次地叠加，就会形成一个山头。当然，必须注意山石的结构，每一笔、每一块都不得雷同，把大小、走向错开，把墨色拉开，就会形成错落有致、结构漂亮的山石。中景是整幅画的重点表现内容。墨色要比近景稍微淡一些。下图就是平“擦”出一笔之后，正在用侧锋尖“扫”出结构线。由于不是用中锋勾勒，所以形成的结构线显得特别微妙、逼真，会形成意想不到的特殊效果，属妙手偶得，似自然天成。在先画出山石的一个“面”之后，再下笔画相邻的“面”时，首先要想到这两个“面”必须有所区别，切不可千篇一律，一个面孔！在笔中的墨基本用干时，把笔尖压扁，用散锋在预留的山石顶部空白处“点”出植被，一笔笔错落有致，稀疏得当，可高可低，形成细如发丝、密密麻麻、毛茸茸的效果，不可出现墨块。在画相邻的另一块山石时，需要变换手法，并留出瀑布位置。画瀑布水流要宽窄相间，高低错落，形成水绕石转、千回百转之势，力戒形成“梳子”效果。为了把两块山石画得各有特色，避免雷同，要边画边比较，必要时细心收拾，制造差异，画出的山石才不会千篇一律。画低矮的山石，穿插画些植被，为画瀑布下的“水口”及流水打下伏笔。画左侧山头时，注意墨色要淡一些，等于与先画的山头拉开距离，并在下部留出画云的位置。用更淡的墨在两个山头的空间位置画出远山，在远山稍干时用极淡的墨渲染，会使前面的山头更加突出，后面的山被“推”得更远，增强画面的立体感、层次感。用极干的淡墨擦出山下部的云岚，基本上是用笔肚、笔根的水分擦出来，留白要注意云的造型，接近自然。在左下角稍上面一点用重墨画一块低矮的山石，作为近景的一部分，与右面的山石相呼应。切记其下部必须留白，不可画到左下角底线，避免与右下角雷同。再小心画出层次分明的“水口”和溪流。水口的走向要“变化多端”，方向多变。切记画水口的溪流时，用淡墨处理，小心勾出水纹，画出水的走势。“水”是山水画的重要组成部分，力求在大量观察、写生基础上小心谨慎地处理好。画点景树木时，注意树木造型要各具姿态，既追求苍劲古拙，又不失灵动秀气，不可千篇一律，画出点睛之笔。最后通观全局，细心收拾，做一些修修补补，墨稿就算完成了。此时可以题款、用印，也可全部完成后再进行。在墨稿基本干时开始着色。着色力求简单，不宜颜色太艳太杂，两三种颜色足矣。要求薄、透、亮，一遍完成，做到色不压墨，不可反复渲染、层层叠加，以免变得混沌污浊！这幅画在山头部分表现暖色调，用淡淡的朱膘稍加一点墨（不用赭石，赭石不透明）；山中下部表现冷色调，用花青略加一点墨调成花青墨，用大板刷染。先染山头，再染中下部。注意趁湿渲染，染完山头，马上染中下部，使衔接部分的冷暖色完全融为一体，不留痕迹。注意着色时一定要把水和云留白，再分别小心渲染。如染瀑布时，其下部可用淡淡的花青墨色轻轻扫一下，上部全部留白，切记不得用白颜色去染水；染云时只染淡墨擦出的部分，云朵则留白，注意色调的层次、深浅变化，尽量力求接近自然。最后用淡淡的花青墨一次性染出远山。刚染成时因为水分太大，远山会显得颜色稍重些，随着水分的逐步蒸发，颜色会变得越来越浅。有时远山的颜色干后浅得几乎看不到了，但装裱以后，颜色就会加深一些，重新显露出来。这里就需要积累经验，掌握一个合适的深度，宁可浅些，不可过深。国画山水画的着色有彩墨山水、浅绛山水之分。施贞泉先生的山水画属浅绛山水。墨稿画完之后已经基本定型，即使不用着色，或者敷以淡墨色，足以称得上是一幅完整的水墨山水。着色是为了使画面更加贴近真实，更好地显现山体的体面效果，增强山石的立体感，画面的层次感和纵深感。
但着色毕竟是次要的，切不可喧宾夺主，以色压墨、盖墨。这完全符合写意画的基本要义，它写的是“意”，意到为止，恰到好处。过分渲染，效果会适得其反。（来源：书画超市）
本文来源：网易艺术
责任编辑：郭伟_NQ1725
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分享至好友和朋友圈( 5 min read )：学习观看一幅绘画，首要的，也是最重要的，是愿意完全相信我们自己的眼睛。...
观赏一幅艺术作品，首要的，也是最重要的，是愿意完全相信我们自己的眼睛。
不要低估自己看见画时的第一想法——即使是对作品毫无了解，你也会按照个人的经验进入到作品的氛围之中，并且被某一些信息触动。
艺术家在面对空白画布时，他们的选择与判断，他们的思想和行为，造就了我们看到的艺术作品。把我们的注意力放在画布上，就是让我们有机会去发现，发现这幅作品为身边这可见的世界又增添了什么。
今天与大家分享一些“如何看一幅画”的经验，也有自己的私心，希望大家能够领会自己的感受力和联想能力，从而打开通向绘画的大门。
——美上美学正心 明德 修身
/ 如何看一幅画 /相信自己的眼睛
从观察简单的现实开始
一幅重现现实世界的画，其中总会有些令人满足的东西。看着其中的图像，我们可以说出看到了什么，同时会感到惬意，因为画作验证了我们对于世界的某些结论。更重要的是，画作似乎赋予这些结论某种永恒感，从而认可了它们。我们让自己沉浸入画面中，因为我们确信，自己可以找到出路：地标明确，规则也一直得到尊重。我们仿佛进入了一栋得到细心照看的房子，好像前一天离开时落下的东西，现在很容易就可以找到。没有什么麻烦事能破坏我们的确定之感。
然而，图像更具欺骗性，因为它遵守表象世界的规则，观赏它的我们因此毫无防备。这样的作品不会令人不安。意识到安全之后，我们会停留，歆享画家毫无瑕疵的技艺，留心哪些画技需要付出时间和精湛技艺。所有这些都令我们愉悦，但不会激发我们的好奇心。然而，一幅可以平静我们的画作，虽然使用熟悉的物体和我们可以说出的语言，但却没有以此揭示出它真正的目的。我们可以轻松认出肖像中的任务，或是识别出某个风景，或某些物品，但仍可能没有理解画作的重要意义。一幅画，不管它使用什么手法，都增加了我们了解现实的多种方式。画家可能使用手术刀般精确的错视画技巧，用以描述现实；或者他可能只保留本原的材料，但他仍追求同样的目标：鼓励我们摆脱习以为常的方式，用新视角去观察事物。
说了这么多，不如真正地试着一起看一幅画。
下面这幅画是爱德华·霍普的代表之作《夜鹰》，又陈《夜间徘徊的人》，国内许多媒体也称它《夜游者》。《夜鹰》-爱德华·霍普
-Edward Hopper
布面油画，84.1cmX152.4cm
芝加哥艺术研究院
艺术评论家对这幅作品的评论是这样的——
“冷峻、孤独、离落，且弥漫着无可左右的命运感”。
这样的评论对于我们来说无疑太笼统也太抽象。当我们真正地去观察这幅作品的时候，我们的大脑也断断不会在第一时间就闪现出“冷峻”“离落”这样的词汇来。
那么，当我们在看这幅作品时，我们会是怎么想的呢？几点了？这真算不上是个问题，只是我们出于习惯脱口而出，是无意识的反射。有一件事可以确定：已经很晚了。对很多事情来说都很晚了。街道荒凉，夜看不到尽头。酒吧的霓虹灯光耀刺眼。很快，我们就会走过街角，在那之后，一无所有，尽是空虚。我们可以走进去，坐下来呆一会儿，喝杯咖啡。酒吧里面一定很凉快；对面街区的公寓，窗户全都开着。这样的夜，不睡觉似乎是唯一选择。
酒吧前台延伸到画面之外。走在人行道上，下班的脚步声大得有些不自然。这城镇如此干净，看起来仿佛电影布景，街道如同位于好莱坞电影厂内搭建起来的废弃城镇中。然而它是真实存在的，这是纽约的格林威治大道。“Phillies”酒吧也是真的。霍珀住在附近时，可能经常来这里。他只画出了主体结构，现实的外壳，但是加入了足够现实细节，让我们相信这幅画。我们确实怀有疑问，会暗自思忖：这真是曼哈顿的一角吗？还是用模型重新做出来的？画家仅仅借助日常生活的一些事物，而且它们都跟画中人物有关联。它们可能是演员需要用来充实角色的道具：对面商店中的收款机、酒吧圆凳、一些杯子、香烟。没什么复杂的东西，只是为了建立人物的性格，让场景更真实。我们从旁边走过，会想象自己是在一部电影里面，这是一部黑白电影，颜色是后加上去的。对话都很简短，就是交换几个词，头都不用抬。我们对面的男人，手肘放在柜台上，说话听起来像是亨弗莱·鲍嘉吧。在他帽子的沉重阴影下，他的眼睛盯着前面的某个地方。涂抹了重重眼影的女人在看自己的指甲。他们彼此了解多少？也许他们刚刚相遇。没有必要说话。再说，他们还能说些什么呢？酒保在柜台下找着什么，随便应对几个字。这些他早见识过了，而且远不止这些。霍珀的画中充满了顺滑与光洁，似乎他的画笔运转之间，从未遇到任何障碍。一切井然有序，包括缄默和鲜亮的颜色。画作表面毫无质感，充满冷漠，感觉不到任何变化。没有意料之外之物，这让观者的眼光游移，我们的眼睛会在色块之间游走。霍珀的人物对我们和外部世界不感兴趣，那个坐在酒吧里、背对着我们的男人明确表现出这一点。他自成一隅，满足于一个人坐着圆凳子，占着吧台较长的一边，与其他饮者保持一定距离。“Phillies”整夜营业，它的窗户透出耀眼的光，照亮对面的楼，试图侵入商店里面，在一扇窗内的墙上投射出三角形的光。但这光仍然避开着它触碰的一切。在很多早期绘画中，移动的自然光和灯的亮度会伴随我们的思路，暗示时间流逝，让我们更靠近画作观察，同时这也是对艺术家的挑战，他们必须抓住闪耀的光，还有它造成的细微差别。与这种传统对比，霍珀成功捕捉了电光源的纯功能性的冷淡，这冷淡映射在建筑物的轮廓线上。这种光没有感情，倾泻而下，一成不变，控制到位，像牙医诊所的光，照得皮肤表面惨白。酒吧的内部装潢让街道沐浴在绿色之中，同时沾染了整幅画作：人行道、商铺和它空荡荡的橱窗，甚至还有百叶窗，街区公寓的住户们因为炎热让它们开着。画面构图和裁切的方式让我们无法看到第一层窗户以上的地方，并令画面的氛围更加沉重。天空遥遥在上，完全看不到。苍白的图画不让任何东西透过，一丝风都不行。
在这慢镜头般的图像中，霍珀成功地诱我们深入。我们常常在夜晚感到疲倦，画作利用了这一点。我们需要追溯自己的脚步。
这样看下来，您对看画是否也有了一点自己的感觉呢？
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